Representantes del Renacimiento

REPRESENTANTES DEL RENACIMIENTO

Arquitectura 

Filippo Brunelleschi - Iglesia San Lorenzo

     Las capillas laterales no tienen una fuente de luz propia; las ventas redondas de las naves menores dan media luz y las ventanas de la nave central dan una luminosidad alta y uniforme. Un dato curioso es que las tres paredes de las capillas laterales están encuadradas por molduras que forman un bisel perspectivo, y partiendo que la relación es de 5 a 3 y que la pared del fondo coincide con la línea de horizonte, se puede calcular la profundidad de las capillas y comprobar que el espacio está condensado y comprimido. 

Raphael Alberti - Poema (Canto Río Con Tus Aguas)

     En este poema, el autor quiere interpretar que las personas que no dan a conocer sus sentimientos son frías o duras en la forma de ser. Las emociones que uno siente hay que expresarlas en el momento que se sienten o sea no quedarse con la emoción por dentro, sino que, darla a conocer. Es bueno desahogarse o simplemente expresarlo, por ejemplo: llorar cuando tienes pena o reír cuando estás feliz. El quiere decir que no es de este tipo de personas sino de aquella que se expresa con facilidad y actúa según lo que siente en su vida, esto lo expresa claramente en el verso: "nunca seré de piedra", y además, en forma repetitiva durante todo el poema.

Donato d' Angelo Bramante - TEMPLO DE SAN PIETRO IN MONTORIO

     Es circular, con una columnata que envuelve a la cella, que está cubierta por una cúpula de media naranja. Esta columnata forma un peristilo, que simboliza la iglesia militante. También hay una clara referencia a la cultura griega en la forma circular, como un Tholos griego. En la planta hay un crepidoma, que son tres escaleras que representan las tres virtudes teologales: fe, esperanza y caridad.

Andrea Palladio - Villa Capra 

     La villa tieneproporciones interesantes,teniendo como base un cubocentral. Las logias salientes,ocupan en el terreno un espacioque es igual a la mitad delcuadrado del cubo central. Estohace que el área del terrenototal sea el doble del área delcuadrado donde se ubica elcubo central.Capra, Está situada en la ciudad de Vicenza,hace parte de un conjunto de villas, construídas a lasafueras de la ciudad. La construcción de la villa seinición en el año de 1566, por parte del arquitecto dePadova, Andrea Palladio, para el sacerdote retiradoPaolo Almerico. Se situo en una cima, y fué proyectadacomo una una residencia suburbana con imagensocial, pero a su vez para la meditación y estudio.

Pintura 

Massacio - El Tributo de la Moneda 

     Ella  una obra pictórica, en la que se la  ha usado la técnica al fresco sobre los muros de la iglesia del Carmine en Florencia. El conjunto esta organizado en torno a un retablo gótico y , está constituido por varios frescos, de los cuales éste se amplia a la izquierda del retablo. Representa uno de los episodios del a vida de Cristo narrado por san mateo, en el que se cuenta el milagro producido cunado el recaudador de impuestos exigió a Jesús el pago del impuesto de la alcabala y este ordeno al apóstol san Pedro que sacase la moneda con que pagarlo, del vientre de un pez que tenía que pescar en el río que se ve en escena, hacho que definitivamente ocurrió.

Paolo Uccello - La batalla de san Romano.

     En esta obra , como en otras obras del mismo artista, se presentan mezclados elementos medievales y renacentistas como, por ejemplo, el tratamiento escultórico de los volúmenes y los escorzos de las figuras con variadas perspectivas, junto a otro elementos de tradición gótica, como los colores brillantes y el refinamiento decorativo en particular de las figuras y del paisaje, la perspectiva es dada por las lanzas de los combatientes. La utilización de un tema que en principio parece exigir una representación "naturalista", como pretexto para una investigación de índole casi abstracta sobre la naturaleza del espacio, le condujo a la configuración de un mundo forzosamente extraño por cuanto comportaba el desprecio de los datos sensibles.

Fra Angelico - La Anunciacion

     En esta delicada obra  del Museo del Prado podemos apreciar como tema principal la Anunciación del arcángel Gabriel a la Virgen María, tema que se completa con las escenitas del banco o predela, otra tabla más estrecha situada debajo del tema principal. Estas escenas son, por orden de lectura, el Nacimiento de María, sus desposorios con José, la Visitación a Santa Ana, la Epifanía de Jesús, la Purificación y el Tránsito del alma de María tras su muerte. En esta última escena es de destacar cómo su hijo, Jesucristo, recoge desde el cielo el alma de la madre, que asciende. En la tabla principal se puede contemplar junto a la Anunciación una escena secundaria, que muestra el momento de la expulsión de Adán y Eva del paraíso. Las dos escenas se conjugan fingiendo que Adán y Eva se encuentran en el exterior del mismo ámbito, en el jardín al que se abre el pórtico donde la Virgen recibe al arcángel. Esto es un recurso que utiliza el fraile para simbolizar el pecado original cometido por Adán y Eva, y su redención en la tierra, que es la encarnación de Cristo en María.


Sandro Boticelli - La Primavera

     Botticelli opta aquí por un formato monumental, con figuras de tamaño natural, y lo compagina con una gran atención al detalle. Esto puede verse en las diversas piezas de orfebrería, representadas minuciosamente, como el casco y la empuñadura de la espada de Mercurio o las cadenas y los broches de las Gracias. Estudios interesantes son los que se han realizado sobre las relaciones dimensionales de las partes de la escena en referencia a reglas musicales. La composición muestra una disposición simétrica, con una figura central Venus la diosa del amor, la belleza y la fertilidad, que parte la escena en dos mitades y marca el ejeLas figuras destacan contra el fondo por la claridad de su piel y sus ropajes, de colores claros e incluso transparentes. Esta palidez en los colores muestra la anatomía del desnudo, que da más volumen a la representación, esta técnica recuerda a la de los paños mojados de Fidias. La luz unifica la escena, incluso parece emanar de los propios cuerpos.

Andrea Mantegna - Lamentación sobre Cristo muerto.

     Esta obra maestra es la expresión suprema de Jesús muerto, vencido, frágil como cualquier ser humano; no es todavía el Cristo triunfante que resucitará al tercer día y se les presentará a sus discípulos para dejar sentado que él es el Salvador. Las llagas no muestran sangre, ya han limpiado los restos del padecimiento de este glorioso cadáver; Mantegna no hace uso de recursos efectistas en lo que se refiere al sufrimiento del crucificado, como después lo harán muchos artistas del barroco. Es la imagen de la sobriedad, la muerte del individuo sin más, cuyo testigo es este cuerpo.  Tal vez sólo se dio permiso de mostrar cierta frondosidad en los muchos pliegues de la sábana, de una riqueza cromática y de claroscuro sin igual, que moldea las piernas del difunto y sus genitales; pareciera como si esta sábana lo arropase con amor y ternura, como si fuese un ser vivo que entendiese la muerte trascendental que ha sucedido o bien, muestra que su cuerpo muerto fue tratado con ese mismo amor y ternura por quien lo limpió y lo va a amortajar más tarde.

LEONARDO DA VINCI -  LA ULTIMA CENA

     La pintura refleja el momento de la última cena en el que Jesús anuncia que entre los discípulos hay un traidor. Se forman cuatro grupos de tres personajes donde cada uno plasma una emoción humana: estupor, ira, miedo... Es sabido que Leonardo utilizó personas reales como modelos para los personajes del mural. Incluso se retrató a sí mismo el segundo empezando por la izquierda como se puede ver en la imagen. Esto es lo que cuenta Mateo Bandello, novicio del convento sobre la ejecución de La Última Cena,Usando la horizontalidad teatral pinta una gran mesa cuadrada, los apóstoles sentados alineados a ella con Jesucristo en el medio y detrás una sala grande con ventanas al exterior, viéndose un paisaje montañoso en ellas; todo bajo un techo de vigas de madera. Todo ello elaborado con formas cuadradas (las ventanas, la mesa, la caída del mantel en la mesa, el techo, los varales rectangulares).

MIGUEL ANGEL 

     La composición, muy estudiada, es cerrada, clásica; se estructura en un eje vertical desde la cabeza hasta el pliegue formado entre las piernas del profeta, cuya figura queda enmarcada por dos líneas rectas verticales en los extremos. Existe un ligero contrapposto marcado por el giro de la cabeza y la simétrica composición entre brazo izquierdo hacia arriba y derecho hacia abajo, así como pierna izquierda hacia fuera y derecha hacia dentro. Las líneas rectas quedan dulcificadas y compensadas por dos líneas curvas paralelas: la que forma la larga y ensortijada barba hasta el brazo izquierdo, y la iniciada en el brazo derecho estirado hasta la pierna izquierda.

RAPHAEL SANZIO - AUTORRETRATO

     Su obra fue echa Óleo sobre lienzo. Galería de los Uffizi. Rafael ha sido uno de los pintores más admirados a lo largo de la historia del arte. Los artistas franceses fueron quienes más supieron apreciar el modo idealizado de plasmar sus imágenes, sin perder jamás la corrección y el decoro. Entre los artistas que trataron de recuperar su estilo se cuentan especialmente Poussin e Ingres, quien sintió una devoción casi fanática por la vida de este pintor. Este autorretrato del jovencísimo Rafael (no olvidemos que murió poco después de los treinta años) sirvió al citado Ingres para recrearle en obras como Rafael y la Fornarina. En esta imagen que contemplamos, el pintor trata de mostrar su personalidad, el elemento identificativo de los retratos de Rafael siguiendo la tradición iniciada en el Quattrocento por Masaccio y continuada por Botticelli o Piero della Francesca, sin olvidar las referencias a la pintura flamenca. La utilización de un fondo neutro ante el que se recorta la figura será repetida más adelante por artistas como Tiziano. 

Escultura 

Andrea del Verrocchio - El Bautismo de Cristo 

      Escultor y pintor florentino cuyo verdadero nombre era Andrea di Michele di Francesco di Cioni. Es, junto con Donatello, uno de los principales escultores italianos del primer renacimiento. Nació en Florencia y, según la tradición, se formó artísticamente en dicha ciudad. Trabajó como orfebre en el taller de Giuliano Verrocchio, de quien tomó el sobrenombre; también como escultor con Donatello, y como pintor con Alesso Baldovinetti. Más tarde dirigió una gran academia en Florencia que llegó a convertirse en el principal centro de arte de la ciudad. Entre sus alumnos estuvieron Leonardo da Vinci, Sandro Botticelli, Lorenzo di Credi y Perugino. El monumento ecuestre de bronce que hizo Verrocchio para el condotiero Muchos de los cuadros atribuidos a Verrocchio fueron ejecutados, con toda probabilidad, por sus discípulos, a partir de los diseños que hiciera el maestro.

Giovanni Bellini - El festín de los Dioses

     Es una de las pocas pinturas mitológicas del artista veneciano. Evidencia así cómo, al final de su vida, Bellini contribuyó a la creación de las nuevas corrientes renacentistas, mostrando la misma monumentalidad y cualidades pictóricas que las obras de sus jóvenes contemporáneos. Hay equilibrio entre el paisaje y las figuras. En primer término se ve a los dioses del Olimpo dándose un festín. La escena representa juntos dos episodios de la obra de Ovidio Fastos. Príapo, a la izquierda, está intentando seducir a la ninfa durmiente Lotis, pero se lo impide el rebuzno del asno de Sileno. Alrededor se encuentran los dioses borrachos: Júpiter tiene un águila cerca de él, Poseidón está acariciando a Cibeles y Ceres, mientras Hermes está languidamente estirado sobre un tonel.  Se cree que Bellini inicialmente pintó a las figuras como mortales.

DONATELLO - DAVID

     La obra se puede contextualizar en la plenitud del Quatrocento. Fue un encargo de Cosme de Médicis, prohombre florentino que al devolver el poder a la República de Florencia se identifica con el personaje bíblico. Se trata de un símbolo de la victoria sobre sus enemigos, de manera que el David se asocia a la figura de Cosme regresando del exilio como un triunfador. El tema del David es un clásico del arte italiano. Varios artistas aportaron su visión del tema. El de Verrochio es más descarado y audaz (además de estar vestido), el de Miguel Ángel es el símbolo de la tensión en el instante previo al estallido, y el de Bernini (ya Barroco) representa a David en el momento fugaz e imposible en que dispara su honda.

Análisis y crítica del Arte Gótico

1.       Antecedentes históricos

·         Se trata de un estilo artístico europeo con unos límites cronológicos que oscilan aproximadamente entre el año 1140 y las últimas décadas del siglo XVI, dependiendo del área geográfica.  

·         En su época fue conocido como “Opus francigenum” (obra francesa, estilo francés….); recibió en el Renacimiento la denominación de Estilo Moderno, en oposición al antiguo o clásico. G. Vasari lo llamó estilo Gótico por considerar que era una creación bárbara, germánica (goda), con principios anticlásicos.

·              La Burguesía, se convierte en el motor económico y sector más dinámico del espectro social bajomedieval con intereses comerciales y artesanales, trayendo consigo una nueva mentalidad, el antropocentrismo, totalmente contrario al Teocentrismo románico. Además, este grupo social va a tener medios económicos suficientes para ejercer el mecenazgo artístico, impulsando de manera satisfactoria este arte.

·              A pesar de ser una continuación del Románico, en el Gótico se aprecian actitudes bastante diferentes e incluso opuestas. Si el Románico es conocido por su oscuridad y recogimiento, el Gótico implica todo lo contrario, luz, color, elevación, expresividad y naturalismo.

·              La Iglesia seguía dominando todos los aspectos de la vida. Utilizó el arte gótico para su propia propaganda. Las grandes catedrales asombraban a los fieles que eran aleccionados por las esculturas y pinturas que seguían cumpliendo su función didáctica.

·              Frente al anonimato que hasta ahora había caracterizado al artista del medievo, la consideración social del artista del Gótico aumentó hasta tal punto que muchas obras fueron firmadas por sus propios creadores.

·              En el siglo X se traduce a Aristóteles y sus ideas, opuestas al platonismo, se extienden por toda Europa de la mano de Santo Tomás de Aquino y la Escolástica; en ellas la sensación prima sobre la abstracción y con ello se tenderá cada vez más al naturalismo en la plástica (recuperación del principio aristotélico….¿recordáis?).

·              La razón no sólo será un instrumento de conocimiento sino que, además, será una manifestación de la gloria divina. La observación y el cálculo determinan a partir de ahora el conocimiento, y en arte el realista y el ingeniero sustituirán al expresionista y al simbolista románico.

·              Los estudios de física y matemáticas, la observación de la naturaleza, etc. contribuyen a crear la imagen de un universo físico. Se recupera el gusto por la armonía constructiva como perfecta relación entre las partes que conforman el edificio.

·              Las relaciones de los reinos hispánicos con Francia fueron muy frecuentes durante la Edad Media. Desde la ininterrumpida corriente del Camino de Santiago a las colonizaciones de la Meseta del Duero organizadas por Raimundo de Borgoña, yerno de Alfonso VI de Castilla, el suelo peninsular se vio permanentemente expuesto a una sutil pero fértil colonización de vocablos, usos e ideas francesas, con lo cual se fortalecía el aparecimiento del nuevo arte.

2.      Arquitectura

     La arquitectura gótica presenta innovaciones técnicas y constructivas notables, que permitieron levantar estructuras esbeltas y ligeras con medios y materiales sencillos. Las principales aportaciones constructivas, al igual que en el románico, se centran en las cubiertas. Como elementos característicos encontramos:

a)      Elementos sustentados:

– Arco apuntado u ojival. Clave.

– Bóveda de crucería u ojival. Nervios.

b)       Elementos sustentantes:

– Al interior: Pilar compuesto

– Al exterior: Arbotante y contrafuerte. Pináculo. Aguja o chapitel.

c)       Las portadas.

– Abocinadas: arquivoltas.

– Decoración escultórica.

– Gabletes y rosetones.

d)      La planta:

– Cruz Latina

– De Salón.

ü  Planta: Se puede diferenciar dos tipos de plantas, la primera de tradición románica, en la cual se observan casi las mismas formas que en el estilo románico y más comúnmente la de cruz latina, con girola o sin ella pero con los brazos poco salientes y con los absidiolos o capillas absidiales frecuentemente poligonales; y el segundo tipo de planta es de salón, la misma que carece de crucero de brazos salientes (aunque no deja de ostentarse más o menos la simbólica cruz de enmedio), el templo de salón presenta una disposición basilical y posee, como mínimo, tres naves de igual altura y, por consiguiente, un sistema de iluminación lateral. Los espacios interiores son amplios y desahogados, abarcables con una sola mirada y tremendamente unitarios, de ahí que parezcan o tengan el aspecto de un gran salón.

ü  Arco ojival: El arco ojival, a diferencia del arco de medio punto, es más esbelto y ligero por transmitir menores tensiones laterales, permitiendo adoptar formas más flexibles, resulta más eficaz, pues gracias a su verticalidad las presiones laterales son menores que en el arco de medio punto, permitiendo salvar mayores espacios. A lo largo del gótico el arco apuntado mostró variantes como el arco trilobulado, el arco conopial utilizado durante el denominado gótico flamígero o el arco Tudor, durante el denominado gótico perpendicular inglés.

ü  Bóveda de crucería: Conformada por arcos apuntados, a modo de esqueleto, es más ligera que cualquier otro tipo de bóveda construida hasta esa fecha. La utilización de ese tipo de arco formando un esqueleto tridimensional unitario refleja el alto conocimiento técnico que alcanzaron los constructores de catedrales.

ü  Contrafuertes y arbotantes: En vez de construir gruesos muros como se realizaba en el románico, se construyeron contrafuertes que se separan de la pared, recayendo el empuje sobre ellos por medio de un arco de transmisión denominado arco arbotante. Todavía se puede alcanzar una mayor resistencia colocando a continuación un segundo contrafuerte. Los arbotantes también cumplen la misión de albergar los canales por donde descienden las aguas de los tejados y evitar así que resbalen por las fachadas.

ü  Alzado: El sistema constructivo gótico, eficiente y ligero en su conjunto, permitió ganar altura para los edificios. El alzado de los templos góticos presenta diversas alternativas que se fueron sucediendo en el tiempo:

Alzado cuatripartito: estructurado en cuatro niveles es utilizado en el gótico inicial, en especial de la región de Normandía como en las catedrales de Laon y Noyon. Los cuatro niveles que forman este modo son:

1er piso: arcadas o arquerías

2º piso: tribuna

3º piso: triforio

4º piso: claristorio

El alzado tripartito se estructura en tres niveles, se impone desde fines del siglo XII. En este modelo se distinguen dos variantes, una primera que presenta el triforio ciego y una segunda con el triforio calado. Los distintos niveles que forman el modo tripartito son:

1er piso: arquería

2º piso: triforio

3º piso: claristorio o ventanales.

El alzado bipartito: A partir de 1300 se empieza a utilizar un nuevo alzado con solo dos plantas

1er piso: arquerías

2º piso: claristorio

ü 










Columnas: Consisten en el pilar compuesto el cual, durante el periodo de transición, es el mismo soporte románico aunque dispuesto para el enjarje de arcos cruceros, pero en el estilo gótico perfecto se presenta cilíndrico el núcleo del pilar, rodeado de semicolumnillas (pilastras) y apoyado sobre un zócalo poligonal o sobre un basamento moldurado, a diferencia del estilo románico en que tal zócalo era uniforme y cilíndrico.

ü  Capiteles: El capitel gótico va perdiendo su importancia según adelanta la época del estilo. Después del periodo de transición en el que se sigue el capitel románico se presenta como un tambor algo cónico abrazado con follaje cuyos motivos se toman de la flora del país y se corona por un ábaco circular o poligonal de varias molduras.

ü  Ventanas y vidrieras: La reducción de la estructura sustentante al mínimo imprescindible permitió abrir grandes huecos en los muros de las fachadas, en donde se colocan piezas de vidrio vistosas coloridas y llenas de la imaginación de un arte sin igual.

ü  Puertas: En las puertas y la fachada despliega el arte gótico toda su magnificencia y su concepción teológica. La portada gótica admite la misma composición fundamental de forma abocinada, que la románica pero se multiplican las arquivoltas y se añade una mayor elevación de líneas con más riqueza y finura escultórica guardando siempre en arcos y adornos la forma propia del nuevo estilo. Encima de la puerta suele colocarse un elevado gablete.

3.      Iglesias Góticas

     Caracterizando el gótico clásico, en el que se impuso la bóveda cuatripartita y la nave central de tres alturas con arquerías, triforio y claristorio, encontramos:

Catedral de Reims-París

     Destaca por la unidad de estilo y su notable profundidad, idónea para el ceremonial real ya que en ella era coronados los reyes de Francia.

Catedral de Amieins

     Además de su mayor verticalidad, presenta como novedad el triforio calado que permite la entrada de mayor cantidad de luz; es el punto de partida del gótico radiante.

Sainte Chapelle-París

     Esta capilla es un gran exponente del gótico radiante, llamado así por la abundancia y tamaño de los ventanales, que prácticamente eliminan el muro.

4.      Períodos Góticos

·         Primera época ( 2ª mitad del s. XII y el s. XIII). Formación y Plenitud: Época de fe, de amor y de entusiasmo. La fe de los Capetos, con Luís IX, el rey Santo, y la prolongada paz que consigue políticamente favorecen la elevación de templos en tiempos cada vez más breves. La rapidez de la construcción le da a la obra una unidad de estilo rara vez obtenida en la Edad Media.

·         Segunda época (s. XIV y 1ª mitad del s. XV). Crisis y Gótico Internacional: La fe y el entusiasmo que habían hecho elevar catedrales hacia el cielo que honraban a la Virgen, Nuestra Señora (Notre Damme), se van extinguiendo con el final del s. XIII. Otras preocupaciones morales y económicas, así como la Guerra de los Cien Años, cambiaron radicalmente el panorama religioso en buena parte de Europa. En los años siguientes se produce un notable desarrollo del arte cortesano, altamente refinado y elegante, que coincide con el de la música y el lenguaje de los trovadores. El movimiento es común en toda Europa, y se le conoce con el nombre de Gótico Internacional.

·         Tercera época (2ª mitad del s. XV). Agotamiento y Gótico Flamígero: Al extinguirse la espiritualidad que fundamentaba el estilo, se busca una salida estética. Es el Gótico Flamígero, que sin innovar nada en los aspectos técnicos y estructurales, expresa el gusto por la decoración exuberante, peculiar de una época de riqueza material. Esta efusión ornamental llega, en ocasiones, a prevalecer sobre las propias estructuras, a las que oculta, dando la sensación de un gran vegetal que consume definitivamente el estilo arquitectónico.

5.      Pinturas Góticas

                      La Anunciación-Museo Florentino de los Uffici

                                

               

                Podemos observar su estilo de suaves líneas onduladas con el que crea personajes esbeltos, de rostros ovalados, boca pequeña y ojos oblicuos.

                         Retablo del Arzobispo Sancho de Rojas

              España recibió la influencia de ambas escuelas italianas. En el Museo de Prado está el “Retablo del Arzobispo Sancho de Rojas”, anónimo, de tradición florentina. Pero fue más importante el influjo de los pintores de Siena, que se manifiesta sobre todo en la Corona de Aragón, en obras como el “Retablo de Tobed” de los hermanos Serra.

                         Caronte viajando a través del Lago Estigia 

               Con Joachim Patinir una de las características más relevantes es el especial protagonismo que concede al paisaje en sus composiciones; el argumento y las figuras de sus cuadros resultan accesorios, son un mero pretexto para desarrollar sus luminosos fondos y sus amplias y bellas panorámicas.

6.      Autores

Ramón Destorrents (1351-1362)

     Fue un miniaturista y pintor español de estilo italo-gótico, el más representativo de la escuela catalana. Está influido por la escuela sienesa.

       Al morir Ferrer Bassa se convirtió en el pintor de la corte aragonesa de Pedro IV. En 1357 ingresó en su taller Pere Serra. A través de él y de su hijo, Rafael Destorrents, el estilo italo-gótico perduró en Cataluña hasta finales del siglo XIV.

     Se le conoce sobre todo por ser el autor del retablo para el Palacio Real de la Almudaina de Palma de Mallorca, realizado en 1353 y que se conserva dividido, estando la pieza principal, la Santa Ana con la Virgen niña, en el Museu Nacional de Arte Antiga conocido también con el nombre de «Museo das Janelas Verdes» de Lisboa.

      Se le atribuye el Retablo de Santa Marta, iglesia de Iravals, Pirineos Orientales.

Jaume Serra

      Fue un pintor catalán de estilo italogótico documentado en tierras de Aragón y de Cataluña entre 1356 y 1390.

       Los hermanos Serra se caracterizan por la pintura de figuras menudas, estilizadas, de ojos rasgados y boca pequeña. Jaume difundió en particular un modelo de Virgen de la Humildad, lactante, entronizada con donante a un lado y de carácter funerario.

     Jaume Serra colaboró con sus hermanos en la realización del retablo del monasterio de Sigena (Huesca), hoy en el Museo Nacional de Arte de Cataluña en Barcelona.



Pere Serra

      Fue un pintor de la Corona de Aragón de estilo italo-gótico, que estuvo activo en Cataluña entre 1357 y 1406.
      Cultivaron los hermanos Serra el estilo italo-gótico, de influencia en especial sienesa, como era por otro lado típico del siglo XIV catalán. Realizan figuras menudas, estilizadas, de ojos rasgados y boca pequeña.
       De los cuatro hermanos, Pere Serra es el más dotado y quien tuvo una más larga carrera. Ingresó en el taller de Ramón Destorrents en 1357. Se interesó más por el colorido que por los conceptos espaciales. Desarrolló trabajo de taller, según se evidencia en la reiteración de los mismos modelos pictóricos.

7.     Obras Escuturales

La Virgen blanca de la Catedral de Toledo-Anónimo

       Es un ejemplo de los cambios que se producen. Los retablos, generalmente en madera, son las obras más originales de la escultura gótica. Son una nueva forma de contar, ya no simbólica como en el románico, sino prefiriendo representar de un modo narrativo y naturalista.

Cartuja de Champmol-Slutter

     Su mejor obra es la Cartuja de Champmol. Para esta cartuja realiza retratos del duque y de su esposa en la puerta. En el cementerio esculpió el "Pozo de Moisés", sobre el que se situó a Cristo crucificado. Este pozo tiene forma cuadrada. A ambos lados, se disponen los profetas, donde el más famoso es Moisés.