Representantes del Renacimiento

REPRESENTANTES DEL RENACIMIENTO

Arquitectura 

Filippo Brunelleschi - Iglesia San Lorenzo

     Las capillas laterales no tienen una fuente de luz propia; las ventas redondas de las naves menores dan media luz y las ventanas de la nave central dan una luminosidad alta y uniforme. Un dato curioso es que las tres paredes de las capillas laterales están encuadradas por molduras que forman un bisel perspectivo, y partiendo que la relación es de 5 a 3 y que la pared del fondo coincide con la línea de horizonte, se puede calcular la profundidad de las capillas y comprobar que el espacio está condensado y comprimido. 

Raphael Alberti - Poema (Canto Río Con Tus Aguas)

     En este poema, el autor quiere interpretar que las personas que no dan a conocer sus sentimientos son frías o duras en la forma de ser. Las emociones que uno siente hay que expresarlas en el momento que se sienten o sea no quedarse con la emoción por dentro, sino que, darla a conocer. Es bueno desahogarse o simplemente expresarlo, por ejemplo: llorar cuando tienes pena o reír cuando estás feliz. El quiere decir que no es de este tipo de personas sino de aquella que se expresa con facilidad y actúa según lo que siente en su vida, esto lo expresa claramente en el verso: "nunca seré de piedra", y además, en forma repetitiva durante todo el poema.

Donato d' Angelo Bramante - TEMPLO DE SAN PIETRO IN MONTORIO

     Es circular, con una columnata que envuelve a la cella, que está cubierta por una cúpula de media naranja. Esta columnata forma un peristilo, que simboliza la iglesia militante. También hay una clara referencia a la cultura griega en la forma circular, como un Tholos griego. En la planta hay un crepidoma, que son tres escaleras que representan las tres virtudes teologales: fe, esperanza y caridad.

Andrea Palladio - Villa Capra 

     La villa tieneproporciones interesantes,teniendo como base un cubocentral. Las logias salientes,ocupan en el terreno un espacioque es igual a la mitad delcuadrado del cubo central. Estohace que el área del terrenototal sea el doble del área delcuadrado donde se ubica elcubo central.Capra, Está situada en la ciudad de Vicenza,hace parte de un conjunto de villas, construídas a lasafueras de la ciudad. La construcción de la villa seinición en el año de 1566, por parte del arquitecto dePadova, Andrea Palladio, para el sacerdote retiradoPaolo Almerico. Se situo en una cima, y fué proyectadacomo una una residencia suburbana con imagensocial, pero a su vez para la meditación y estudio.

Pintura 

Massacio - El Tributo de la Moneda 

     Ella  una obra pictórica, en la que se la  ha usado la técnica al fresco sobre los muros de la iglesia del Carmine en Florencia. El conjunto esta organizado en torno a un retablo gótico y , está constituido por varios frescos, de los cuales éste se amplia a la izquierda del retablo. Representa uno de los episodios del a vida de Cristo narrado por san mateo, en el que se cuenta el milagro producido cunado el recaudador de impuestos exigió a Jesús el pago del impuesto de la alcabala y este ordeno al apóstol san Pedro que sacase la moneda con que pagarlo, del vientre de un pez que tenía que pescar en el río que se ve en escena, hacho que definitivamente ocurrió.

Paolo Uccello - La batalla de san Romano.

     En esta obra , como en otras obras del mismo artista, se presentan mezclados elementos medievales y renacentistas como, por ejemplo, el tratamiento escultórico de los volúmenes y los escorzos de las figuras con variadas perspectivas, junto a otro elementos de tradición gótica, como los colores brillantes y el refinamiento decorativo en particular de las figuras y del paisaje, la perspectiva es dada por las lanzas de los combatientes. La utilización de un tema que en principio parece exigir una representación "naturalista", como pretexto para una investigación de índole casi abstracta sobre la naturaleza del espacio, le condujo a la configuración de un mundo forzosamente extraño por cuanto comportaba el desprecio de los datos sensibles.

Fra Angelico - La Anunciacion

     En esta delicada obra  del Museo del Prado podemos apreciar como tema principal la Anunciación del arcángel Gabriel a la Virgen María, tema que se completa con las escenitas del banco o predela, otra tabla más estrecha situada debajo del tema principal. Estas escenas son, por orden de lectura, el Nacimiento de María, sus desposorios con José, la Visitación a Santa Ana, la Epifanía de Jesús, la Purificación y el Tránsito del alma de María tras su muerte. En esta última escena es de destacar cómo su hijo, Jesucristo, recoge desde el cielo el alma de la madre, que asciende. En la tabla principal se puede contemplar junto a la Anunciación una escena secundaria, que muestra el momento de la expulsión de Adán y Eva del paraíso. Las dos escenas se conjugan fingiendo que Adán y Eva se encuentran en el exterior del mismo ámbito, en el jardín al que se abre el pórtico donde la Virgen recibe al arcángel. Esto es un recurso que utiliza el fraile para simbolizar el pecado original cometido por Adán y Eva, y su redención en la tierra, que es la encarnación de Cristo en María.


Sandro Boticelli - La Primavera

     Botticelli opta aquí por un formato monumental, con figuras de tamaño natural, y lo compagina con una gran atención al detalle. Esto puede verse en las diversas piezas de orfebrería, representadas minuciosamente, como el casco y la empuñadura de la espada de Mercurio o las cadenas y los broches de las Gracias. Estudios interesantes son los que se han realizado sobre las relaciones dimensionales de las partes de la escena en referencia a reglas musicales. La composición muestra una disposición simétrica, con una figura central Venus la diosa del amor, la belleza y la fertilidad, que parte la escena en dos mitades y marca el ejeLas figuras destacan contra el fondo por la claridad de su piel y sus ropajes, de colores claros e incluso transparentes. Esta palidez en los colores muestra la anatomía del desnudo, que da más volumen a la representación, esta técnica recuerda a la de los paños mojados de Fidias. La luz unifica la escena, incluso parece emanar de los propios cuerpos.

Andrea Mantegna - Lamentación sobre Cristo muerto.

     Esta obra maestra es la expresión suprema de Jesús muerto, vencido, frágil como cualquier ser humano; no es todavía el Cristo triunfante que resucitará al tercer día y se les presentará a sus discípulos para dejar sentado que él es el Salvador. Las llagas no muestran sangre, ya han limpiado los restos del padecimiento de este glorioso cadáver; Mantegna no hace uso de recursos efectistas en lo que se refiere al sufrimiento del crucificado, como después lo harán muchos artistas del barroco. Es la imagen de la sobriedad, la muerte del individuo sin más, cuyo testigo es este cuerpo.  Tal vez sólo se dio permiso de mostrar cierta frondosidad en los muchos pliegues de la sábana, de una riqueza cromática y de claroscuro sin igual, que moldea las piernas del difunto y sus genitales; pareciera como si esta sábana lo arropase con amor y ternura, como si fuese un ser vivo que entendiese la muerte trascendental que ha sucedido o bien, muestra que su cuerpo muerto fue tratado con ese mismo amor y ternura por quien lo limpió y lo va a amortajar más tarde.

LEONARDO DA VINCI -  LA ULTIMA CENA

     La pintura refleja el momento de la última cena en el que Jesús anuncia que entre los discípulos hay un traidor. Se forman cuatro grupos de tres personajes donde cada uno plasma una emoción humana: estupor, ira, miedo... Es sabido que Leonardo utilizó personas reales como modelos para los personajes del mural. Incluso se retrató a sí mismo el segundo empezando por la izquierda como se puede ver en la imagen. Esto es lo que cuenta Mateo Bandello, novicio del convento sobre la ejecución de La Última Cena,Usando la horizontalidad teatral pinta una gran mesa cuadrada, los apóstoles sentados alineados a ella con Jesucristo en el medio y detrás una sala grande con ventanas al exterior, viéndose un paisaje montañoso en ellas; todo bajo un techo de vigas de madera. Todo ello elaborado con formas cuadradas (las ventanas, la mesa, la caída del mantel en la mesa, el techo, los varales rectangulares).

MIGUEL ANGEL 

     La composición, muy estudiada, es cerrada, clásica; se estructura en un eje vertical desde la cabeza hasta el pliegue formado entre las piernas del profeta, cuya figura queda enmarcada por dos líneas rectas verticales en los extremos. Existe un ligero contrapposto marcado por el giro de la cabeza y la simétrica composición entre brazo izquierdo hacia arriba y derecho hacia abajo, así como pierna izquierda hacia fuera y derecha hacia dentro. Las líneas rectas quedan dulcificadas y compensadas por dos líneas curvas paralelas: la que forma la larga y ensortijada barba hasta el brazo izquierdo, y la iniciada en el brazo derecho estirado hasta la pierna izquierda.

RAPHAEL SANZIO - AUTORRETRATO

     Su obra fue echa Óleo sobre lienzo. Galería de los Uffizi. Rafael ha sido uno de los pintores más admirados a lo largo de la historia del arte. Los artistas franceses fueron quienes más supieron apreciar el modo idealizado de plasmar sus imágenes, sin perder jamás la corrección y el decoro. Entre los artistas que trataron de recuperar su estilo se cuentan especialmente Poussin e Ingres, quien sintió una devoción casi fanática por la vida de este pintor. Este autorretrato del jovencísimo Rafael (no olvidemos que murió poco después de los treinta años) sirvió al citado Ingres para recrearle en obras como Rafael y la Fornarina. En esta imagen que contemplamos, el pintor trata de mostrar su personalidad, el elemento identificativo de los retratos de Rafael siguiendo la tradición iniciada en el Quattrocento por Masaccio y continuada por Botticelli o Piero della Francesca, sin olvidar las referencias a la pintura flamenca. La utilización de un fondo neutro ante el que se recorta la figura será repetida más adelante por artistas como Tiziano. 

Escultura 

Andrea del Verrocchio - El Bautismo de Cristo 

      Escultor y pintor florentino cuyo verdadero nombre era Andrea di Michele di Francesco di Cioni. Es, junto con Donatello, uno de los principales escultores italianos del primer renacimiento. Nació en Florencia y, según la tradición, se formó artísticamente en dicha ciudad. Trabajó como orfebre en el taller de Giuliano Verrocchio, de quien tomó el sobrenombre; también como escultor con Donatello, y como pintor con Alesso Baldovinetti. Más tarde dirigió una gran academia en Florencia que llegó a convertirse en el principal centro de arte de la ciudad. Entre sus alumnos estuvieron Leonardo da Vinci, Sandro Botticelli, Lorenzo di Credi y Perugino. El monumento ecuestre de bronce que hizo Verrocchio para el condotiero Muchos de los cuadros atribuidos a Verrocchio fueron ejecutados, con toda probabilidad, por sus discípulos, a partir de los diseños que hiciera el maestro.

Giovanni Bellini - El festín de los Dioses

     Es una de las pocas pinturas mitológicas del artista veneciano. Evidencia así cómo, al final de su vida, Bellini contribuyó a la creación de las nuevas corrientes renacentistas, mostrando la misma monumentalidad y cualidades pictóricas que las obras de sus jóvenes contemporáneos. Hay equilibrio entre el paisaje y las figuras. En primer término se ve a los dioses del Olimpo dándose un festín. La escena representa juntos dos episodios de la obra de Ovidio Fastos. Príapo, a la izquierda, está intentando seducir a la ninfa durmiente Lotis, pero se lo impide el rebuzno del asno de Sileno. Alrededor se encuentran los dioses borrachos: Júpiter tiene un águila cerca de él, Poseidón está acariciando a Cibeles y Ceres, mientras Hermes está languidamente estirado sobre un tonel.  Se cree que Bellini inicialmente pintó a las figuras como mortales.

DONATELLO - DAVID

     La obra se puede contextualizar en la plenitud del Quatrocento. Fue un encargo de Cosme de Médicis, prohombre florentino que al devolver el poder a la República de Florencia se identifica con el personaje bíblico. Se trata de un símbolo de la victoria sobre sus enemigos, de manera que el David se asocia a la figura de Cosme regresando del exilio como un triunfador. El tema del David es un clásico del arte italiano. Varios artistas aportaron su visión del tema. El de Verrochio es más descarado y audaz (además de estar vestido), el de Miguel Ángel es el símbolo de la tensión en el instante previo al estallido, y el de Bernini (ya Barroco) representa a David en el momento fugaz e imposible en que dispara su honda.