Análisis y crítica del Arte Gótico

1.       Antecedentes históricos

·         Se trata de un estilo artístico europeo con unos límites cronológicos que oscilan aproximadamente entre el año 1140 y las últimas décadas del siglo XVI, dependiendo del área geográfica.  

·         En su época fue conocido como “Opus francigenum” (obra francesa, estilo francés….); recibió en el Renacimiento la denominación de Estilo Moderno, en oposición al antiguo o clásico. G. Vasari lo llamó estilo Gótico por considerar que era una creación bárbara, germánica (goda), con principios anticlásicos.

·              La Burguesía, se convierte en el motor económico y sector más dinámico del espectro social bajomedieval con intereses comerciales y artesanales, trayendo consigo una nueva mentalidad, el antropocentrismo, totalmente contrario al Teocentrismo románico. Además, este grupo social va a tener medios económicos suficientes para ejercer el mecenazgo artístico, impulsando de manera satisfactoria este arte.

·              A pesar de ser una continuación del Románico, en el Gótico se aprecian actitudes bastante diferentes e incluso opuestas. Si el Románico es conocido por su oscuridad y recogimiento, el Gótico implica todo lo contrario, luz, color, elevación, expresividad y naturalismo.

·              La Iglesia seguía dominando todos los aspectos de la vida. Utilizó el arte gótico para su propia propaganda. Las grandes catedrales asombraban a los fieles que eran aleccionados por las esculturas y pinturas que seguían cumpliendo su función didáctica.

·              Frente al anonimato que hasta ahora había caracterizado al artista del medievo, la consideración social del artista del Gótico aumentó hasta tal punto que muchas obras fueron firmadas por sus propios creadores.

·              En el siglo X se traduce a Aristóteles y sus ideas, opuestas al platonismo, se extienden por toda Europa de la mano de Santo Tomás de Aquino y la Escolástica; en ellas la sensación prima sobre la abstracción y con ello se tenderá cada vez más al naturalismo en la plástica (recuperación del principio aristotélico….¿recordáis?).

·              La razón no sólo será un instrumento de conocimiento sino que, además, será una manifestación de la gloria divina. La observación y el cálculo determinan a partir de ahora el conocimiento, y en arte el realista y el ingeniero sustituirán al expresionista y al simbolista románico.

·              Los estudios de física y matemáticas, la observación de la naturaleza, etc. contribuyen a crear la imagen de un universo físico. Se recupera el gusto por la armonía constructiva como perfecta relación entre las partes que conforman el edificio.

·              Las relaciones de los reinos hispánicos con Francia fueron muy frecuentes durante la Edad Media. Desde la ininterrumpida corriente del Camino de Santiago a las colonizaciones de la Meseta del Duero organizadas por Raimundo de Borgoña, yerno de Alfonso VI de Castilla, el suelo peninsular se vio permanentemente expuesto a una sutil pero fértil colonización de vocablos, usos e ideas francesas, con lo cual se fortalecía el aparecimiento del nuevo arte.

2.      Arquitectura

     La arquitectura gótica presenta innovaciones técnicas y constructivas notables, que permitieron levantar estructuras esbeltas y ligeras con medios y materiales sencillos. Las principales aportaciones constructivas, al igual que en el románico, se centran en las cubiertas. Como elementos característicos encontramos:

a)      Elementos sustentados:

– Arco apuntado u ojival. Clave.

– Bóveda de crucería u ojival. Nervios.

b)       Elementos sustentantes:

– Al interior: Pilar compuesto

– Al exterior: Arbotante y contrafuerte. Pináculo. Aguja o chapitel.

c)       Las portadas.

– Abocinadas: arquivoltas.

– Decoración escultórica.

– Gabletes y rosetones.

d)      La planta:

– Cruz Latina

– De Salón.

ü  Planta: Se puede diferenciar dos tipos de plantas, la primera de tradición románica, en la cual se observan casi las mismas formas que en el estilo románico y más comúnmente la de cruz latina, con girola o sin ella pero con los brazos poco salientes y con los absidiolos o capillas absidiales frecuentemente poligonales; y el segundo tipo de planta es de salón, la misma que carece de crucero de brazos salientes (aunque no deja de ostentarse más o menos la simbólica cruz de enmedio), el templo de salón presenta una disposición basilical y posee, como mínimo, tres naves de igual altura y, por consiguiente, un sistema de iluminación lateral. Los espacios interiores son amplios y desahogados, abarcables con una sola mirada y tremendamente unitarios, de ahí que parezcan o tengan el aspecto de un gran salón.

ü  Arco ojival: El arco ojival, a diferencia del arco de medio punto, es más esbelto y ligero por transmitir menores tensiones laterales, permitiendo adoptar formas más flexibles, resulta más eficaz, pues gracias a su verticalidad las presiones laterales son menores que en el arco de medio punto, permitiendo salvar mayores espacios. A lo largo del gótico el arco apuntado mostró variantes como el arco trilobulado, el arco conopial utilizado durante el denominado gótico flamígero o el arco Tudor, durante el denominado gótico perpendicular inglés.

ü  Bóveda de crucería: Conformada por arcos apuntados, a modo de esqueleto, es más ligera que cualquier otro tipo de bóveda construida hasta esa fecha. La utilización de ese tipo de arco formando un esqueleto tridimensional unitario refleja el alto conocimiento técnico que alcanzaron los constructores de catedrales.

ü  Contrafuertes y arbotantes: En vez de construir gruesos muros como se realizaba en el románico, se construyeron contrafuertes que se separan de la pared, recayendo el empuje sobre ellos por medio de un arco de transmisión denominado arco arbotante. Todavía se puede alcanzar una mayor resistencia colocando a continuación un segundo contrafuerte. Los arbotantes también cumplen la misión de albergar los canales por donde descienden las aguas de los tejados y evitar así que resbalen por las fachadas.

ü  Alzado: El sistema constructivo gótico, eficiente y ligero en su conjunto, permitió ganar altura para los edificios. El alzado de los templos góticos presenta diversas alternativas que se fueron sucediendo en el tiempo:

Alzado cuatripartito: estructurado en cuatro niveles es utilizado en el gótico inicial, en especial de la región de Normandía como en las catedrales de Laon y Noyon. Los cuatro niveles que forman este modo son:

1er piso: arcadas o arquerías

2º piso: tribuna

3º piso: triforio

4º piso: claristorio

El alzado tripartito se estructura en tres niveles, se impone desde fines del siglo XII. En este modelo se distinguen dos variantes, una primera que presenta el triforio ciego y una segunda con el triforio calado. Los distintos niveles que forman el modo tripartito son:

1er piso: arquería

2º piso: triforio

3º piso: claristorio o ventanales.

El alzado bipartito: A partir de 1300 se empieza a utilizar un nuevo alzado con solo dos plantas

1er piso: arquerías

2º piso: claristorio

ü 










Columnas: Consisten en el pilar compuesto el cual, durante el periodo de transición, es el mismo soporte románico aunque dispuesto para el enjarje de arcos cruceros, pero en el estilo gótico perfecto se presenta cilíndrico el núcleo del pilar, rodeado de semicolumnillas (pilastras) y apoyado sobre un zócalo poligonal o sobre un basamento moldurado, a diferencia del estilo románico en que tal zócalo era uniforme y cilíndrico.

ü  Capiteles: El capitel gótico va perdiendo su importancia según adelanta la época del estilo. Después del periodo de transición en el que se sigue el capitel románico se presenta como un tambor algo cónico abrazado con follaje cuyos motivos se toman de la flora del país y se corona por un ábaco circular o poligonal de varias molduras.

ü  Ventanas y vidrieras: La reducción de la estructura sustentante al mínimo imprescindible permitió abrir grandes huecos en los muros de las fachadas, en donde se colocan piezas de vidrio vistosas coloridas y llenas de la imaginación de un arte sin igual.

ü  Puertas: En las puertas y la fachada despliega el arte gótico toda su magnificencia y su concepción teológica. La portada gótica admite la misma composición fundamental de forma abocinada, que la románica pero se multiplican las arquivoltas y se añade una mayor elevación de líneas con más riqueza y finura escultórica guardando siempre en arcos y adornos la forma propia del nuevo estilo. Encima de la puerta suele colocarse un elevado gablete.

3.      Iglesias Góticas

     Caracterizando el gótico clásico, en el que se impuso la bóveda cuatripartita y la nave central de tres alturas con arquerías, triforio y claristorio, encontramos:

Catedral de Reims-París

     Destaca por la unidad de estilo y su notable profundidad, idónea para el ceremonial real ya que en ella era coronados los reyes de Francia.

Catedral de Amieins

     Además de su mayor verticalidad, presenta como novedad el triforio calado que permite la entrada de mayor cantidad de luz; es el punto de partida del gótico radiante.

Sainte Chapelle-París

     Esta capilla es un gran exponente del gótico radiante, llamado así por la abundancia y tamaño de los ventanales, que prácticamente eliminan el muro.

4.      Períodos Góticos

·         Primera época ( 2ª mitad del s. XII y el s. XIII). Formación y Plenitud: Época de fe, de amor y de entusiasmo. La fe de los Capetos, con Luís IX, el rey Santo, y la prolongada paz que consigue políticamente favorecen la elevación de templos en tiempos cada vez más breves. La rapidez de la construcción le da a la obra una unidad de estilo rara vez obtenida en la Edad Media.

·         Segunda época (s. XIV y 1ª mitad del s. XV). Crisis y Gótico Internacional: La fe y el entusiasmo que habían hecho elevar catedrales hacia el cielo que honraban a la Virgen, Nuestra Señora (Notre Damme), se van extinguiendo con el final del s. XIII. Otras preocupaciones morales y económicas, así como la Guerra de los Cien Años, cambiaron radicalmente el panorama religioso en buena parte de Europa. En los años siguientes se produce un notable desarrollo del arte cortesano, altamente refinado y elegante, que coincide con el de la música y el lenguaje de los trovadores. El movimiento es común en toda Europa, y se le conoce con el nombre de Gótico Internacional.

·         Tercera época (2ª mitad del s. XV). Agotamiento y Gótico Flamígero: Al extinguirse la espiritualidad que fundamentaba el estilo, se busca una salida estética. Es el Gótico Flamígero, que sin innovar nada en los aspectos técnicos y estructurales, expresa el gusto por la decoración exuberante, peculiar de una época de riqueza material. Esta efusión ornamental llega, en ocasiones, a prevalecer sobre las propias estructuras, a las que oculta, dando la sensación de un gran vegetal que consume definitivamente el estilo arquitectónico.

5.      Pinturas Góticas

                      La Anunciación-Museo Florentino de los Uffici

                                

               

                Podemos observar su estilo de suaves líneas onduladas con el que crea personajes esbeltos, de rostros ovalados, boca pequeña y ojos oblicuos.

                         Retablo del Arzobispo Sancho de Rojas

              España recibió la influencia de ambas escuelas italianas. En el Museo de Prado está el “Retablo del Arzobispo Sancho de Rojas”, anónimo, de tradición florentina. Pero fue más importante el influjo de los pintores de Siena, que se manifiesta sobre todo en la Corona de Aragón, en obras como el “Retablo de Tobed” de los hermanos Serra.

                         Caronte viajando a través del Lago Estigia 

               Con Joachim Patinir una de las características más relevantes es el especial protagonismo que concede al paisaje en sus composiciones; el argumento y las figuras de sus cuadros resultan accesorios, son un mero pretexto para desarrollar sus luminosos fondos y sus amplias y bellas panorámicas.

6.      Autores

Ramón Destorrents (1351-1362)

     Fue un miniaturista y pintor español de estilo italo-gótico, el más representativo de la escuela catalana. Está influido por la escuela sienesa.

       Al morir Ferrer Bassa se convirtió en el pintor de la corte aragonesa de Pedro IV. En 1357 ingresó en su taller Pere Serra. A través de él y de su hijo, Rafael Destorrents, el estilo italo-gótico perduró en Cataluña hasta finales del siglo XIV.

     Se le conoce sobre todo por ser el autor del retablo para el Palacio Real de la Almudaina de Palma de Mallorca, realizado en 1353 y que se conserva dividido, estando la pieza principal, la Santa Ana con la Virgen niña, en el Museu Nacional de Arte Antiga conocido también con el nombre de «Museo das Janelas Verdes» de Lisboa.

      Se le atribuye el Retablo de Santa Marta, iglesia de Iravals, Pirineos Orientales.

Jaume Serra

      Fue un pintor catalán de estilo italogótico documentado en tierras de Aragón y de Cataluña entre 1356 y 1390.

       Los hermanos Serra se caracterizan por la pintura de figuras menudas, estilizadas, de ojos rasgados y boca pequeña. Jaume difundió en particular un modelo de Virgen de la Humildad, lactante, entronizada con donante a un lado y de carácter funerario.

     Jaume Serra colaboró con sus hermanos en la realización del retablo del monasterio de Sigena (Huesca), hoy en el Museo Nacional de Arte de Cataluña en Barcelona.



Pere Serra

      Fue un pintor de la Corona de Aragón de estilo italo-gótico, que estuvo activo en Cataluña entre 1357 y 1406.
      Cultivaron los hermanos Serra el estilo italo-gótico, de influencia en especial sienesa, como era por otro lado típico del siglo XIV catalán. Realizan figuras menudas, estilizadas, de ojos rasgados y boca pequeña.
       De los cuatro hermanos, Pere Serra es el más dotado y quien tuvo una más larga carrera. Ingresó en el taller de Ramón Destorrents en 1357. Se interesó más por el colorido que por los conceptos espaciales. Desarrolló trabajo de taller, según se evidencia en la reiteración de los mismos modelos pictóricos.

7.     Obras Escuturales

La Virgen blanca de la Catedral de Toledo-Anónimo

       Es un ejemplo de los cambios que se producen. Los retablos, generalmente en madera, son las obras más originales de la escultura gótica. Son una nueva forma de contar, ya no simbólica como en el románico, sino prefiriendo representar de un modo narrativo y naturalista.

Cartuja de Champmol-Slutter

     Su mejor obra es la Cartuja de Champmol. Para esta cartuja realiza retratos del duque y de su esposa en la puerta. En el cementerio esculpió el "Pozo de Moisés", sobre el que se situó a Cristo crucificado. Este pozo tiene forma cuadrada. A ambos lados, se disponen los profetas, donde el más famoso es Moisés.